Comment bluffer votre manager sur les Films d’aviation avant la sortie de Top Gun 2 ?
Top gun 2 sort cet été. C’est le moment de faire un retour sur les meilleurs films d’aviation depuis leur création. Aujourd’hui, on peut voir voler à travers l’espace infini des chasseurs spatiaux détruisant à coups de lasers photoniques les navettes aliens malgré leurs champs de force. Tout ça, vous vous en doutez, réalisé en image de synthèse.
Rien de surprenant. De même, des chasseurs F-Cat tirant à coup de roquettes ou de missiles exocet sur des avions ennemis, au hasard, les Messerschmidt allemands ou les Mig russes, Les avions atteints qui explosent en flammes, qui s’écrasent au sol ou disparaissent en vrille vers un destin inconnu, rien de surprenant à savoir que tout cela relève aussi de l’image de synthèse.
« Mais tout cela, c’est du budget ! » Et vous avez raison, ça coûte cher les CGI.
Mais revenons à un temps plus ancien, et pas si lointain, où ces avions de guerre étaient vraiment utilisés sur les tournages et où des pilotes expérimentés et des cascadeurs aériens experts intervenaient sur les plateaux pour réaliser ces scènes de combat et d’acrobatie.
Plongeons-nous aux sources du film d’aviation…
LES FILMS D’AVIATION : LA FOLIE DES GRANDEURS ?
“Passion will make you crazy, but is there any other way to live?” – Howard Hughes
Le premier à mettre les pieds dans le plan, ou plutôt, les ailes dans les airs, c’est William Wellman dans un film de la paramount sobrement baptisé “Wings” et sorti en 1927, enfin, remonté et ressorti en 1929, pour s’adapter à l’arrivée du parlant.
L’idée est de raconter les épisodes de la première guerre mondiale au travers d’une escadrille d’aviateurs en France.
Et donc de filmer des avions comme jamais ! Parce qu’en 1926, pas d’images de synthèse ! Et les maquettes n’étaient pas au programme de ce film.
Voilà ce que c’est que filmer dans les airs dans les années vingt
Wellmann n’a que deux films à son actif. Mais il a un atout majeur, c’est un ancien pilote médaillé de la première guerre mondiale et un cascadeur aérien !
La réalisation du film part dans une direction qui en surprendrait plus d’un aujourd’hui.
Imaginez, les acteurs vont devoir apprendre à piloter, car ils vont voler dans les airs et être filmés dans leurs batailles aériennes.
Les personnages principaux sont donc d’abord un ancien pilote devenu acteur (Richard Arlen), puis un jeune acteur qui va se former sur le tas Charles Rogers. Le premier rôle féminin sera attribué à Clara Bow.
Wellmann et ses comédiens de « Wings »- 1930
Sans oublier tout un tas de figurants pour piloter les avions formant les deux flottes qui vont s’opposer dans les airs, et les techniciens embarqués dans des avions pour capter tout cela.
Le film reçoit le soutien logistique et humain de l’armée de l’air.
Et bien, pour une première de ce type, tout aurait pu se passer au mieux mais malheureusement, si seulement un cascadeur se blesse, un des pilotes décède dans une chute mortelle.
Reste la première bataille aérienne de l’histoire du cinéma réalisé entièrement avec des vrais avions. Caméras embarquées pour filmer les acteurs, et chorégraphies ahurissantes pour l’époque et pour un budget de Deux millions de dollars au total.
Le film restera dans les annales du cinéma, non seulement pour cette prouesse de mise en scène aérienne, mais aussi pour ces choix de réalisation dans les scènes terrestres. Succès public, mais aussi succès critique car il fut le premier film à gagner l’oscar du meilleur film !
Et il ouvre la voie à tout un tas de successeurs.
En 1930, on peut citer le film “Les Ange de l’enfer” de Howard Hughes, qui excelle dans la folie des grandeurs, puisque Hughes rachète des avions à tire-larigot pour meubler son film, et qu’il réalise lui-même une cascade qui lui vaudra un accident et un morceau de métal dans le crâne. Alors qu’on le pensait perdu, Howard se lève un matin à l’hôpital et veut retourner tourner son film. Mais ce morceau de métal influencera probablement la santé mentale du milliardaire.
La voie s’ouvre alors aux films monumentaux sur les batailles aériennes.
Mais à un moment, un autre souci va s’imposer, une envie de revenir à une réalité plus documentée.
LES FILMS D’AVION : DE LA FICTION DOCUMENTEE ?
“I fear all we have done is to awaken a sleeping giant and fill him with a terrible resolve.” – Amiral Isoroku Yamamoto
Ce sont les Anglais qui vont prendre le pli. Un besoin de raconter la guerre d’un autre point de vue. En revenant aux hommes et aux missions, à un aspect plus documentée, pas forcément d’une fidélité historique incontestable, car nous sommes toujours dans la fiction.
Rien ne vaut un bon exemple. Alors en route !
En 1955 sort “Les briseurs de barrage”, de Michael Anderson. Le film raconte les opérations Anglaises qui ont visé à bombarder les barrages allemands pour ralentir la production industrielle nazie pendant la seconde guerre mondiale.
Visant la sobriété, il relate les différentes étapes de la mission, de la conception de la bombe, aux discussions pour convaincre les têtes décisionnaires du bien fondé de la mission, sans oublier les entraînements à l’utilisation et au lancement de ce type de bombe pour les pilotes et bien sûr, les missions de bombardements.
Des avions en mission secrète dans la nuit noire de l’Allemagne
Mais Anderson ne voulait pas uniquement faire un documentaire, il s’investit pour donner au film rythme et énergie, sans trop donner dans le spectaculaire.
L’homme, aux différents postes, qu’il soit pilote, concepteur, ou autre, reconnus ou anonymes, reste au centre du film. Même si les avions ont une belle part !
Les Américains prennent le pli et décident de parler d’un drame de la deuxième guerre mondiale, le bombardement de Pearl Harbor.
Mais bien avant le film du même nom de Michael Bay sorti en 2001, c’est une collaboration franco-japonaise qui donnera naissance à un film réalisé en 1970 par Richard Fleischer, Kinji fukasaku et Toshio Masuda et qui s’appellera “Tora ! Tora ! Tora !”.
Le film « Tora !Tora ! Tora ! » réalisé par Richard Fleischer et Kinji Fukasaku – 1970
Oui, vous avez bien lu, Richard Fleischer, qui réalisera plus tard entre autres“Soleil Vert” et “Conan le Destructeur” puis nous quittera en 2006 et Kinji Fusakaku qui réalisera entre autres “Le cimetière de la morale” et “Battle Royale” avant de s’éteindre en 2003.
Le film mettra en scène certes de vrais avions, mais aussi de nombreuses maquettes, parfois énormes.
Paradoxalement, s’il ne fut pas un énorme succès aux Etats-Unis, il a cartonné au Japon.
Nous n’irons pas jusqu’à dire que le côté documenté des films d’aviation en prit un coup mais dans les années quatre-vingt, on allait partir sur de nouvelles bases.
LES FILMS D’AVIATION : DE LA CLASSE ET DU STYLE ?
Et ces nouvelles bases, ce sont Jerry Bruckheimer et Don Simpson qui allaient les poser avec des films d’action calibrés pour le grand public, des blockbusters qui dépotent. Premier exemple, “le Flic de Beverly Hills”. Mais qu’est-ce que ça peut donner version film d’aviation ? Et bien le devenu cultissime “Top Gun” de Tony Scott sorti en 1986.
Cultissime, mais possible grâce au soutien de l’armée de l’air américaine, à nouveau, la boucle est bouclée avec “Wings” dont on parlait plus haut.
“Remember, boys, no points for second place.” – Slider – Topgun
Deux autre points commun, “Top Gun” est aussi un film Paramount. Et le scénario comporte également une histoire d’amour.
Mais après, on change de registre. Nous ne sommes plus en guerre mais bien dans une école chargée de former la crème des pilotes.
Et si l’histoire s’inspire d’un fait réel, la fameuse école de formation Marine Corps Air Station Miramar, elle part ensuite dans la fiction totale.
Une des contraintes des scènes d’avion a été les changements depuis la deuxième guerre mondiale. Les chasseurs modernes se combattent dès huit cent mètres de distance pour pouvoir s’envoyer des roquettes dans le cockpit ! Certains avions ont été abattus par des tirs effectués à plus de deux kilomètres de distance.
On vous laisse imaginer ce que ça peut rendre à la caméra… Si les avions sont trop proches, ils ne peuvent pas tirer de missiles, c’est trop risqué pour les deux ! Ils ont recours au mitrailleuses incorporées.
Le parcours initiatique de Mitchell, joué par Tom Cruise, qui va acquérir son surnom de Maverick au fur et à mesure de du film, reste classique.
Le film marquera par
- sa bataille aérienne,
- Tom Cruise (qui commença par refuser le rôle, jusqu’à l’arrivée d’un chèque d’un million de dollar)
- et la BO de Berlin “Take my breath away”.
A quoi voit-on qu’un film est devenu cultissime ? Quand il devient l’objet d’un parodie !
Et donc, en 1991, débarque sur les écrans “Hot Shots” de Jim Abrahams. Confirmant le statut de film culte de « Top Gun » !
Tout est dit…
Si le film est truffé de gags et de détournement de pleins de scènes cultes d’autres films, sa base est essentiellement de parodier “Top Gun” et Charlie Sheen reprend le rôle de Tom Cruise.
Contre toute attente, ce film aussi met en scène de vrais avions. Certes, faute de budget, la fidélité historique n’est pas de mise (et puis on est dans la parodie) mais le matériel est là.
Et vu l’ambiance, on peut se douter que l’aéronavale américaine n’était pas partante pour prêter des avions.
Mais voilà, les images numériques commence à se déverser sur les écrans, et il devient plus facile de créer des avions virtuels que d’en sortir des véritables.
LE FILM D’AVIATION : DES PROUESSES VIRTUELLES ?
“We shall never surrender.” – Soldier
Dans les années qui suivirent, on peut lister nombre d’exemples de films dotés d’avions virtuels, où les acteurs pilotent dans la sécurité des studios et des fonds verts.
Au hasard, “Flyboys” sorti en 2006 et réalisé par Tony Bill avec James Franco et Jean Reno. Retour à la première guerre mondiale avec l’escadrille d’Américain envoyé en France.
Ou bien “Baron Rouge” sorti en 2008 et réalisé par Nikolai Mullerschon qui raconte l’histoire de l’as de l’aviation allemande de la première guerre mondiale, le baron rouge, de son vrai nom Manfred Von Richthofen.
Ou encore “Red Tails” sorti en 2012, réalisé par Anthony Hemingway, raconte l’histoire de la première escadre de pilotes de chasse Afro-Américains pendant la deuxième guerre mondiale. Notons que Georges Lucas est à la production et qu’il aurait réalisé quelques scènes du film. Et que l’on est peu surpris du coup par la présence des effets spéciaux et des images numériques.
Mais la question n’est pas tant la présence d’images numériques que de savoir si le résultat final est crédible et qu’il vous entraîne dans l’appréhension de ces combats aériens. Là, ce sera à vous de vous faire votre avis !
Une exception de taille : Dunkerque de Christopher Nolan en 2017
Notons qu’il reste quelques exceptions. On pourrait citer le “Dunkerque” de Christopher Nolan sorti en 2017 et qui nous immerge au côté des pilotes. Christopher Nolan a voulu limiter au maximum les images de synthèses pour immerger au mieux le spectateur.
Exception de taille : Dunkerque (Dunkirk en VO) de Christopher Nolan
Le film comporte donc de vrais avions et aussi son lot de modèles réduits. Mais le résultat fonctionne à merveille, et par un vrai travail sur l’image et surtout sur le son, vous vous retrouvez en plein coeur de ces carlingues brinquebalantes, dans l’inquiétude de savoir si votre avion tiendra jusqu’à l’atterrissage.
Les ravages de l’aviation sur les troupes Anglaises. On frissonne avec eux.
Fasciné par toutes ces scènes cultes d’avions fendant les cieux, nous ne pouvions faire autrement que de placer une référence à un film d’aviation dans Pamela Target. Et forcément, que choisir comme clin d’oeil sinon le classique “Top Gun” pour le nouvel épisode de Pamela Target, TopGuts :
Et vous, quel est votre film d’aviation préféré ? Celui que vous avez le moins aimé ? Celui qui vous a marqué à jamais ? Dites-nous donc tout cela en commentaire.
A bientôt,
La PT-Team
Les 5 raisons pour lesquelles vous devriez parler de Godzilla en soirée
Cette année, débarque sur nos écrans un nouveau film de monstre, ou même de monstreS devrait-on dire. “Godzilla, King of monsters” qui va réunir les plus grands bestiaux légendaires du cinéma nippon.
Toutes ces charmantes créatures se regroupent sous le terme générique, et japonais, de Kaiju ! Et les films où ils s’illustrent sont des Kaiju Eiga. Jusqu’ici, tout va bien.
Et donc, se préparent avec ce roi des monstres un beau Kaiju Eiga Américain. Car il faut préciser que pendant des années, les japonais avait la main mise sur ce type de film, à quelques exceptions près, comme l’inoubliable King Kong de 1933 réalisé par Ernest B. Schoedsack et Merian C. Cooper.
Mais les kaijus, faut reconnaître qu’on les adore, et on en parle depuis un petit moment dans notre série, comme vous avez pu le découvrir dans l’épisode 12 de la saison 1 “Kaiju, Just Run” :
Et quitte à parler de Kaïju, on pourrait s’attarder un instant sur le plus célèbre d’entre eux, le bizarrement nommé GODZILLA !
Le seul monstre qui a réussi à nous rappeler à travers les âges les méfaits du nucléaire et le riff mortel de Led Zeppelin qui lance leur cultissime Kashmir !
Alors un Kaiju écolo-rock qui a atteint l’âge de la retraite, ça se fête.
Hé oui, on vous parle de retraite car le petit Godzilla vit le jour en 1954 dans le film éponyme de Ishiro Honda. Ce qui lui fait soixante-cinq ans au compteur. Ah, nous avons parlé trop vite, avec la retraite à soixante-sept ans, Godzilla va devoir encore se remuer un peu le popotin avant de se reposer.
Et c’est ce qu’il compte faire cette année en organisant une méga teuf avec tous ses potes dans “Godzilla King of monsters”.
1. GODZILLA, C’EST TOUJOURS D’ACTUALITE, COMME LE NUCLEAIRE
”I can’t believe that Godzilla was the only surviving member of its species… But if we continue conducting nuclear tests, it’s possible that another Godzilla might appear somewhere in the world again.” – Kyohei Yamane-hakase
Sur le pont d’Avignon, on y danse…, sur celui de Tokyo, c’est plus chaud…
Mais bon, revenons en 1954 où un film sort sur les écrans japonais, qui va changer la face du monde. En tout cas celle de Tokyo. En effet, petit résumé, les essais nucléaires américains dans le pacifique ont eu une conséquence désastreuse, ils ont réveillé un monstre souterrain, Godzilla. Assez agacé d’être interrompu en pleine sieste millénaire, Godzilla va ravager tout ce qu’il trouve sur son chemin. Ca tombe bien, y a un petit archipel à piétiner pas loin. Bon, cet archipel, c’est le Japon, et Godzilla va se lâcher. Heureusement, à la fin, une puissante arme l’atomise et tout rentre dans l’ordre. Bref, un film de monstre. Mais en y regardant de plus près, ça va un peu plus loin. Tout d’abord, Godzilla, né du nucléaire, en devient le symbole tout puissant. Il ravage tout dans sa fureur aveugle comme le ferait une bombe. Il crache un souffle radioactif.
Les images des blessés débordant les hôpitaux renvoient les spectateurs à un triste passé qui a à peine plus de dix ans.
Dans le film, les Etats-Unis sont responsables de ce bazar. Là encore, le message sous-jacent est assez clair.
Mais les messages ne s’arrêtent pas là. Il faut inventer une arme plus puissante pour arrêter le Kaiju. Rappelant que la violence engendre une violence plus dure encore. Et le savant qui fait ce choix dans l’histoire prend une décision lourde de conséquence, il se sacrifiera avec son arme en arrêtant Godzilla car il sait que l’humanité n’est pas prête à disposer de quelque chose de plus puissant que le nucléaire.
Derrière la victoire sur le monstre, il y a un message fort pour les générations à venir qui n’est pas uniquement “attention, le nucléaire c’est mal”.
Le film fut un succès considérable.
Tellement considérable qu’il a déclenché un souffle godzillien sur le monde. Pas moins de seize films sur vingt-et-un ans, jusqu’en 1975 où tout tourna court avec “Mecha Godzilla contre-attaque” de Ishiro Honda. La boucle est bouclée. En effet, Jun Fukura, Motoyoshi Oda et Ishiro Honda ont réalisé à eux trois les seize films.
Tous ces films sont regroupés sous le nom de films de l’ère Showa.
Godzilla confirme aussi la technique de tournage, loin des images de synthèse, où un acteur enfile une lourd costume solidement charpenté par des armatures, le tout pouvant atteindre les cent kilos.
Le comédien qui joue Godzilla teste le costume !
2. LES COMBATS DE GODZILLA, C’EST AUSSI SEXY QU’UN MATCH DE CATCH.
“He’s a product of civilisation. Men are the only real monsters. Godzilla’s more like a nuclear weapon.” – Dr. Hayashida
Là, pendant neuf ans, plus de Godzilla. Le monstre serait-il reparti pour une sieste éternelle ?
C’était compter sans le fait que l’année 1984 marque, non pas l’arrivée de l’année effroyablement décrite par Georges Orwell dans son roman éponyme, mais bien les trente ans de Godzilla !
Godzilla en couleur, ça fait peur.
Et pour fêter ça, Koji Hashimoto réalise “Le retour de Godzilla”. Film qui marque le début des films de l’ère Heisei, avec pas moins de sept opus au compteur entre 1984 et 1995.
Tout cela finit en apogée avec “Godzilla versus Destroyah” de Takao Okawara en 1995.
Notons que sorti du retour de Godzilla, tous les autres films de cette période oppose Godzilla à d’autres Kaijus pas piqué des hannetons, citons dans le désordre, Biollante, Space Godzilla (sérieusement ? Oui), MechaGodzilla (oui, encore lui), King Ghidorah et Mothra (La mite géante, si, si), tous deux aussi déjà présents dans l’ère Showa.
Notre Kaiju serait devenu juste bon à enfiler des gants et à affronter des adversaires dans des matchs de catch dont les tours de Tokyo formeraient le ring ?
Les films de l’ère Heisei semblent avoir perdu le message de la première période. Et aussi Ishiro Honda, qui ne reprendra pas le flambeau. Et qui d’ailleurs ne le reprendra plus car il nous quitte en 1993, l’année où sort “Godzilla versus Mechagodzilla 2”. Deux ans avant la fin de l’ère Heisei et un nouveau sommeil du monstre.
Mais cette deuxième pause permet à Roland Emmerich, en 1998, de sortir son Godzilla, mettant en scène Jean Reno (non, pas dans le rôle du monstre mais d’un agent secret Français).
Jean Reno agent secret français dans le Godzilla de Roland Emmerich
Ce Godzilla dont la musique restera iconique pour les puristes, car elle fait se rencontrer Puff Daddy et Led Zeppelin sur une adaptation du Kashmir évoqué en intro. La boucle serait bouclée ?
3. GODZILLA, C’EST LE MONSTRE ULTIME DE l’UNIVERS DES MONSTRES (OU MONSTERVERSE).
“We scientists produced this monster… Godzilla. And ever since, we tried to destroy him.” – Shiro Miyasaka
Rien n’est moins sûr. Les Japonais décident de reprendre la main en 1999 avec “Godzilla 2000” de Takao Okawara.
Et c’est reparti pour de folles années jusqu’en 2004 avec “Godzilla final Wars” de Ryuhei Kitamura où tout se mélange : vaisseau spatial, manipulation génétique, monstre, aliens, minigodzilla et on en passe. Ce film sorti pour les cinquante ans de Godzilla marque la fin de l’ère des films Millenium entamée avec “Godzilla 2000”.
Et le montre se rendort. Un court retour en 2007 pour un petit caméo (ou apparition fugace) et puis plus rien.
Gareth Edwards, en profite pour réaliser son Godzilla aux US en 2014 qui prépare le terrain au “Kong, Skull Island” de Jordan Vogt-Roberts sorti en 2017. Les deux films lancent le monsterverse !
Le monsterverse, ça peut donner ça :
C’est mieux que ça, après tout:
Ca va se compliquer encore un peu, car si les états-unis lancent le MONSTERVERSE, à l’image du cinematic universe de marvel et de celui de DC, mettant en scène des monstres issus de différentes licences dans un même film, les Japonais n’ont pas dit leur dernier mot avec en 2016 “Godzilla Resurgence” de Shinji Higuchi et Hideaki Anno qui va être suivi de trois films en deux ans marquant le retour en fanfare de Godzilla sur l’archipel.
Et nous voilà aujourd’hui, avec “Godzilla : King of monsters” de Michael Dougherty qui débarque, réunissant Godzilla, donc, mais aussi King Ghidorah, Rodan et l’inévitable Mothra (rappelez-vous, la mite géante). Ce film s’intègre au monsterverse évoqué plus haut et annonce “Kong Versus Godzilla” prévu pour 2020 et réalisé par Adam Wingard.
A la lecture de tout cela, vous comprendrez que la série mythique des Sharknado devient d’une simplicité consternante. (pour ceux qui ne connaissent pas il s’agit d’une série où des requins tombent du ciel au large du Mexique).
Mais laissons là les requins volants pour revenir au Kaiju.
Godzilla est le phare de ces monstres et en introduit même certains d’entre eux dans ses films (on ne citera pas à nouveau Mothra, c’est promis). En-dehors des longs métrages, il y a eu des séries et des jeux vidéos (le plaisir incroyable de pouvoir jouer Mothra avec votre manette PS4 mais bref…)
Mothra, du pur gameplay ! On vous avait prévenus…
4. AVEC SES 37 FILMS, GODZILLA EST LE KAIJU INCONTOURNABLE
“In a word… her birth was an accident, and so was her death. Old people have always said… that an animal which kills a human… should be torn limb from limb. That it’s a human’s duty to do so. Until I slit that beast’s stomach… and at least find Hyun-seo’s body… I’ll never leave this world in peace.” – Park Hie-bong
A côté de cela, dans l’ombre de Godzilla, il y a aussi d’autres licences. Gamera, par exemple, et ses treize films ! King Kong et ses dix films (dont “King Kong contre godzilla” de Ishiro Honda sorti en 1962). Mais avec ses 37 films, il va être difficile de détrôner Godzilla, le patriarche des Kaiju !
Et dans la trace du patriarche, un lot de films mettant en scène un monstre apparaissant le temps d’une pellicule, comme “Cloverfield” de Matt Reese en 2008 ou aussi notre petit chouchou, “The Host” de Bong Joon-ho sorti en 2006, qui nous offre un film aux multiples lectures doté d’un humour grinçant et d’un sens du contretemps admirable.
Mais où il est parti le monstre de « The Host » ?
Bien sûr, on pourrait parler de Pacific Rim où les Kaijus jouent un rôle clé, mais nous gardons cette exception pour un autre article à venir afin de revenir à Godzilla.
Godzilla, dont le nom serait dû au mix entre celui de baleine et de gorille (en japonais of course), n’a pas fini de faire parler de lui.
5. PAMELA TARGET ENTRE DANS LE MONSTERVERSE AVEC SON GODZILLAPIN
Et avec de telles sources animalières, et surtout pour marquer notre profonde admiration à ses films, nous ne pouvions faire moins que de placer une référence dans le nouvel épisode de Pamela Target intitulé sobrement “Godzillapin, Fuyez” :
Et pour finir sur une note d’humour :
Non, ce n’est pas une parodie, c’est un extrait de “Invasion planète X” de Ishiro Honda, sorti en 1965 ! resté dans les annales sous le titre de la danse de Godzilla.
Et vous, quel est votre kaiju préféré ? Venez nous le dire en commentaire !
A bientôt,
la PT-Team
S02 E05 : Pourquoi les lapins sont tous des salauds ?
Dans ce nouvel article, nous nous penchons sur le cas de Peter Pan Pan, le lapin de Pamela Target. Pourquoi ? Parce qu’en cette période de Pâques, il nous semblait essentiel de vous expliquer, pourquoi les lapins sont les meilleurs salauds.
Peter Pan Pan le lapin est la fusion improbable entre Le gardien de la caverne de « la quête du Graal » et le « Joker ».
Si vous percutez sur ces deux références, vous êtes bien un enfant de la culture pop dans ses deux extrêmes, iconoclastes-absurde et machiavélico-destructrice.
Mais rentrons un peu dans le détail…
S02 E04 : Comment Baywatch atteint le rang de série mythique… avec un ralenti.
Aujourd’hui, penchons-nous sur une série mondialement connue, dont une des comédiennes a inspiré le nom de notre série audio barrée et funky. Le choix est vaste et on ne va pas tourner autour du pot avant de tout vous dévoiler.
Retour donc sur le succès planétaire qu’a été « Baywatch », plus connu en France sous le titre « Alerte à Malibu ».
Alerte à Malibu, une référence interplanétaire !
« Alerte à Malibu » a débarqué en France le 2 janvier 1991 et a permis à Pamela Anderson avec son maillot rouge de devenir l’égérie de toute une génération (et même plus encore). Tout cela grâce à ces scènes de jolies blondes – et brunes parfois – courant au ralenti sur les plages de Malibu, où s’est échoué quelques décennies plus tôt l’homme à tête de Chou de Gainsbourg, mais ça, c’est une autre histoire…
Si on connaît tous ces scènes de sauveteurs en maillot rouge courant sur la plage, c’est peut-être parce que cette série, avec ses onze saisons, a été un succès PHENOMENAL. Il faut dire qu’elle a été diffusée dans 142 pays et a atteint des audiences de 1,1 milliard de personnes dans le monde !
L’inconscient collectif, on le comprend mieux à la vue de ces chiffres, non ?
« Are you sure that is a life guard initiation thing ? »
David Hasselhoff and Pamela Anderson- Pearson Television
Comment cette série qu’on connaît tous, sans connaître une seule personne qui la suivait hebdomadairement, a pu lancer Pamela Anderson sur le devant de la scène ?
Cette série met en scène David Hasselhoff dans le rôle de Mitch Buchannon et Pamela Anderson dans le rôle de CJ Parker. Avec d’autres vaillants comédiens et comédiennes à la plastique onirique, ils interprètent un groupe de sauveteurs sur la plage de Malibu. Enfin, pour neuf saisons, puisque pour les deux dernières, tout le monde a migré à Hawaï. Dommage pour le titre français qui est devenu « Alerte à Hawaï » ! Ont-ils rencontré le paisible retraité Jack Lord, héros de « Hawaï police d’état » ? rien n’est moins sûr mais ceci est à nouveau une autre histoire.
Les ralentis légendaires de Baywatch
Mais revenons à Pamela Anderson. Son personnage de CJ Parker n’apparaît que dans les saisons 3 à 7, soit moins de la moitié de la durée de la série. Et pourtant, aujourd’hui, on se souvient beaucoup plus de Pamela Anderson que des autres actrices de la série. Plus fort que pas mal d’autres personnages de série, non ? Hé oui, plus blonde, mais moins rapide que Jason Bourne (ralenti oblige), Pamela Anderson nous a donc tous marqué.
On pourrait se demander comment une scène si simple, si banale même, a pu marquer autant de gens.
Connaissez-vous la véritable raison de ces scènes de ralenti qui ont même marqué les héros de Friends ?
Joey et Chandler regardant Baywatch, avec sous titre espagnol parce que c’est plus fun
Voilà comment David Hasselhoff, qui, en passant, a chanté le générique de fin de la série, explique les origines de ces ralentis : La production n’avait pas assez d’argent pour tourner des épisodes correspondant à la durée de diffusion. Passer des scènes au ralenti, ça permettait d’économiser de l’argent et d’atteindre la durée d’épisode voulue !
Le tour est joué, et le monde ne sera plus jamais pareil…
Comment ne pas sourire à l’idée qu’une série aussi populaire qu’Alerte à Malibu puisse autant inspirer ?
La série ayant bien fonctionné, on n’est guère surpris qu’elle ait donné lieu à quatre téléfilms, une autre série dérivée mettant en scène David Hasselhoff (encore lui), retrouvant pour l’occasion le même blouson noir qu’il portait alors qu’il incarnait Michael Knight dans K2000… Mais on s’éloigne du sujet.
La série est finalement remontée à la surface en 2017 avec l’adaptation cinéma sobrement appelée « Baywatch ». Film pour lequel une ligne éditoriale claire a été définie.
Comme le dit Dwayne Johnson, alias The Rock, alias Mitch Buchannon, « Dès le départ, l’une de mes préoccupations était que le film puisse être interdit aux mineurs de moins de 17 ans non accompagnés. Il fallait mettre le paquet ! ».
« Baywatch » : une des affiches américaines © Paramount Pictures
Le producteur Beau Flynn précise : « On s’est donc permis beaucoup de choses au niveau des dialogues et de la nudité des acteurs comme des actrices. On est fiers des moments un peu osés pour lesquels on s’est battus. »L’affiche se passe d’ailleurs de commentaire.
Si vous voulez voir le film, vous êtes prévenus. Ca n’a pas empêché plus de 1,5 millions de personnes de se ruer dans les salles de cinéma française.
Mais Pamela Target la série audio dans tout ça ?
Pamela Anderson / Pamela Target, c’est quoi le rapport ?
Connaissez-vous Pamela Anderson ?
Pamela Anderson aurait pu devenir saxophoniste… Hé oui, dans sa jeunesse, elle a pratiqué cet instrument. Mais elle devint mannequin, puis fut repérée pour faire de la publicité et enchaîna comme playmate avant d’être engagée dans une première série. On vous entend vous exclamer « Ben oui, c ‘était Alerte à Malibu, je connais ! ». Perdu, il s’agit de « Papa Bricole ». Ce n’est qu’après qu’elle interprètera CJ Parker et qu’elle connaîtra la célébrité dans « Baywatch ».
Maintenant, vous concluez : « Ben oui, elle a sauvé des gens sur la plage dans Baywatch, c’est normal qu’elle puisse sauver des animaux dans l’arche ! Et que ces derniers décident de faire une soirée Baywatch. » Mais là encore, ce serait allé un peu vite en besogne. Si Pamela Anderson est une idole pour certains de nos animaux, au point d’être l’invitée d’une soirée dans l’arche, ce n’est pas uniquement pour son rôle légendaire en maillot de bain rouge.
« My gut says there’s some bad shit going on over there and my balls say we need to check it out. »
Ce que l’on sait moins, c’est que Pamela Anderson se bat pour la cause animale. Elle a rejoint PETA, l’association fondée en 1980 qui lutte contre, principalement, l’élevage industriel, l’élevage d’animaux à fourrure, les expérimentations sur les animaux et les spectacles avec les animaux. Mais l’activité de l’association s’est élargie et tout combat pour aider et défendre la cause animale s’ajoute à cette courte liste.
Pamela Anderson défendant les mêmes idées que PETA, la rencontre était inévitable. Notons que l’actrice boycotte KFC pour leur mauvais traitement des volailles et qu’en 2016, elle s’exprime contre le gavage des oies à l’Assemblée Nationale Française. Pamela défend les animaux, à sa manière, sans violence.
Laissons-lui la parole : « Kindness is the mightiest force in the world. Sensuality is a sexy kindness. I hope I’m a part of the sensual revolution that holds us together, instead of this bizarre divisiveness tearing loved ones apart.* »
Même quand elle est découpée en morceaux de boucherie, elle est sexy !
Pamela Anderson la cible idéale pour Pamela Target.
Si Pamela sauve des vies humaines dans Alerte à Malibu, elle sauve des vies animales dans la vraie vie. Maillot de bain rouge mythique et icône protectrice des animaux : voilà les deux raisons pour laquelle elle prend un rôle si important et symbolique pour les animaux de l’arche dans Pamela Target. Voilà pourquoi nous avons eu l’idée, en découvrant cette partie de sa vie, de l’intégrer dans notre série. Et ce dès le titre même « Pamela Target ».
Dans la série, elle arrive très tôt, puisque dès l’épisode 1, « J’suis pas venu pour beurrer des sandwiches », si vous tendez savamment l’oreille aux propos de Riton le chaton, elle est évoquée très rapidement :
Et tant qu’à faire, réécoutez l’épisode 23, « une situation de crise à la 24H chrono » là, ce n’est plus de l’indice, mais de l’annonce déclamée :
Dans une série, tout se construit petit à petit. C’est aussi ce genre de surprise que permet la narration s’étalant sur de nombreux épisodes et plusieurs saisons.
Mais pourquoi vous parler de tout cela maintenant, après un an de diffusion ?
D’après vous ? Allez donc écouter le quatrième épisode de la nouvelle saison de « Pamela Target » intitulé «Alerte à la soirée BAYWATCH » :
Maintenant, vous savez !
A bientôt,
La PT-Team !
PS : Et vous, que pensez-vous de Pamela Anderson ? Dites-le nous en commentaire.
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S02 E03 : Pourquoi le personnage amnésique est une valeur sûre?
What a man can’t remember doesn’t exist for him. – R. Ludlum {accent américain}
Pamela Target a lancé sa deuxième saison, et nous en sommes au troisième épisode. Qui dit deuxième saison, et même série, dit intrigues et arcs narratifs de loooongue haleine. Et les intrigues doivent avancer, rebondir se dévoiler petit à petit, garder du suspense et finir par se résoudre.
Pour l’un de nos personnages principaux, le moment est venu de remettre en avant son intrigue. Nous parlons bien sûr de Bill le Bousier, plus connu sous le nom de Bilbil par ses amis !
Quelle référence ciné se cache derrière l’intrigue de Bill le bousier ?
N’allez pas chercher midi à quatorze heures, mais laissez vous guider, tout va venir si vous tirez la ficelle.
Rappelez-vous l’épisode trois « Pourquoi cet air si sérieux ? » de la première saison ?
Hé oui, Bill le bousier est amnésique. Je vois l’étincelle briller dans votre oeil de cinéphile averti. Besoin d’un indice de plus ? Auriez-vous déjà oublié l’épisode 15 « J’vais te pointer, moi ? » de la saison 1 :
Oui, notre personnage s’est découvert de manière inattendue des incroyables talents de combattant. Oui, je le vois, le voile s’est déchiré. Vous avez compris: Bill le bousier s’inspire de Jason Bourne.
Marie Kreutz: Do you have ID? Jason Bourne: Not really.
Bill le bousier s’inspire de Jason Bourne, incarné par Matt Damon à l’écran.
Si vous avez vécu le début de ce siècle dans une zone coupée d’électricité et de toutes communication avec le monde, vous avez peut-être raté en 2002 la sortie de « La mémoire dans la peau », premier volet réalisé par Doug Liman, qui fut suivi en 2004 de « La mort dans la peau », puis de « la Vengeance dans la peau » en 2007 et enfin de la sortie de « Jason Bourne » en 2016. Les trois derniers opus étant réalisés par Paul Greengrass. (si on excepte « Jason Bourne l’héritage, sorte de pin-off sans Matt Damon » de 2012 réalisé par Tony Gilroy),
Cette trilogie (ou quadrilogie ou pentalogie ou… bref) est adaptée de la trilogie de romans écrite par Robert Ludlum. La aussi, trilogie n’est peut-être pas le terme qui convient le mieux, car même sur le papier, l’univers de Jason Bourne dépasse son créateur. Après le talentueux Robert Ludlum, Eric Van Lustbader prend le relais et pond pas moins de… douze romans !
Bon, ne nous éparpillons pas.
Jason Bourne, c’est quoi ?
Le premier roman sort en 1980 et raconte l’histoire d’un homme repêché dans la mer au large de Marseille, qui ne se rappelle plus qui il est, et se retrouve bien étonné de découvrir sur lui un microfilm qui l’amène à une banque qui l’amène à un tas d’ennuis. Au travers des mésaventures qui lui tombent dessus, il va découvrir qu’il parle plusieurs langues, sait se battre, est un assassin officieux et que beaucoup de gens lui en veulent, dont la CIA, ou plutôt une branche de la CIA particulière et mystérieuse. Et surtout que Jason Bourne n’est pas son vrai nom ! Action et enquête au programme.
He was the perfect weapon until he became the target.
Le premier roman a fait des émules, on retrouve cette intrigue de l’assassin amnésique qui va enquêter pour retrouver son identité dans le scénario de la BD XIII de Jean Van Hamme et William Vance dont le premier tome « Le Jour du Soleil Noir » sort en 1984.
Et quatre ans plus tard, en 1988 donc, ce même roman a été adapté en un téléfilm en deux parties, avec dans le rôle de Jason Bourne… le comédien Richard Chamberlain !
Je m’en souviens et je vous garantis que ça dépotait quand même moins que Matt Damon point de vue combat et action.
En 2002, l’adaptation cinéma du premier roman met en contact deux personnages étonnants pour la mise sur pied d’un tel blockbuster : Doug Liman, dont « La Mémoire dans la peau » est le premier film gros budget de studio, et Matt Damon, dont ce fut le premier gros film d’action !
Et après cette aventure, qu’en disent les principaux intéressés :
Matt Damon, investi sur des détails qui font la différence : « J’ai surtout été surpris que Doug me propose le rôle. Et je me souviens n’avoir eu que 6 mois pour justement m’y préparer physiquement. Doug Liman m’avait expliqué qu’il voulait que ma démarche ressemble à celle d’un boxeur. J’ai alors contacté Terry Clayborn qui avait coaché Denzel Washington pour le film dans lequel il interprétait le boxeur Hurricane Carter. Et c’est avec lui que j’ai travaillé pendant 6 mois. »
Et Doug Liman, philosophe après le premier film : « I am an independent film maker at heart so that’ll be how I will continue to do films: Indie credibility but maybe now with the studio perks. »
« Indie credibility ? » C’est exactement la démarche DIY de Pamela Target.
Créer un blockbuster enregistré dans le salon ! Démarche à ne pas oublier, pour sûr ! :^))
Pour cela, on écrit et construit à trois des intrigues et sous-intrigues pour nos personnages qu’on dissémine dans les épisodes, en jouant sur la dramaturgie, certes mais aussi sur le fun et les références cultes.
Bill le bousier, interprété par Jérôme Thevenet, en fusion avec Jason Bourne.
Alors si vous vous dites maintenant avoir tout capté, avoir compris que Bill le bousier est un ancien agent de la CIA amnésique et d’en conclure : « C’est bon, je sais ce qui va se passer ». Vous vous emballez un peu vite. En effet, Jason Bourne n’est qu’une référence pour créer le personnage de Bill, et non une source d’adaptation. Donc, ce n’est pas aussi simple.
D’ailleurs, pourquoi faire simple quand on peut faire compliqué ? C’est ce que vous allez découvrir au fur et à mesure de la série.
Ce troisième épisode était l’occasion rêvée de remettre sur le tapis l’intrigue de Bill, sans tout révéler non plus. Et surtout de le faire avec l’humour qui caractérise l’univers complètement barré et funky de notre série.
Bill le bousier, amnésique ? Oui. Combattant émérite ? Oui. Ancien Militaire ? Oui mais l’étau se resserre et le passé va bientôt (ou un peu plus tard) refaire surface.
Comment ?
Venez le découvrir en écoutant le nouvel épisode de la saison deux de Pamela Target « La mémoire dans le slip » :
La PT-Team
S02 E01: Un nouveau modèle de «Badass Villain»
Quand nous avons commencé à travailler sur la deuxième saison de Pamela Target, nous avions Peter Pan Pan et Le Professeur Charwin comme principaux méchants de la première saison : un psychopathe et un professeur fou. Mais petit à petit est venu s’imposer à notre esprit une autre référence commune qui nous avait frappée il y a quelques années. Un méchant et un univers que nous voulions absolument citer tellement la claque visuelle avait été grande… Mais je ne vais pas tout vous dévoiler comme ça. Alors, si je vous dis :
« It is by my hand, you will rise from the ashes of this world! »
C’est par ma main que vous renaîtrez sur les cendres de ce monde !
Vous pensez à quelqu’un en particulier ?
Je vous donne d’autres indices :
Une longue crinière de cheveux peroxydés, un respirateur orné d’un râtelier de dents de cheval, une armure transparente ornée de médailles, un homme corpulent maquillé de blanc et des yeux cernés de noir. Alors ? Un portrait se dessine ?
Oui, nous parlons bien d’Immortan Joe, le méchant de Fury Road, le quatrième opus de Mad Max.
Tout au long du film, ce personnage mystérieux à l’allure baroque ne nous dévoilera rien de son passé. Mais son monde parle pour lui. Ces médailles à son revers pourraient laisser penser qu’il serait un ancien militaire… Son ambition démesurée ressort dans ce qu’il a bâti. Il se présente comme un demi-Dieu. D’ailleurs, ce nom « Immortan » n’est pas une faute de frappe, mais bien la contraction d’Immortal et de Man.
Il a mis la main sur une ressource clé de ce monde de sang et de violence : l’eau. Il la distribue comme un seigneur à ses ouailles, s’en servant pour les asservir, tout en leur tenant un discours moralisateur, comme toute bonne divinité démoniaque qui se respecte.
« Do not, my friends, become addicted to water, or it will take hold of you and you will resent its absence! »
Ainsi, il a pris le pouvoir. Mais comment compte-t’il le garder ? Par le fanatisme !
Il a enrôlé pour le servir une bande de jeunes condamnés par la maladie, renommés les War Boyz, qui sont prêts à se sacrifier pour lui afin de conduire éternellement sur les routes du Valhalla.
Tout ce qui touche à la voiture devient objet sacré et source de divinité.
Le dieu V8, en référence au moteur éponyme, est vénéré dans des chants, Les volants sont objets de culte. Le chrome dont ces jeunes s’aspergent avant le sacrifice relève du rituel religieux, tout comme la phrase clé, qui reste dans toutes les mémoires en sortant du film « Witness Me » lancée avant le sacrifice pour la cause de leur Dieu, Immortan Joe.
« You shall ride eternal. Shiny, and chrome. »
Entourés de ses guerriers et kamikazes, Immortan Joe a poussé encore plus loin sa domination par le look qu’il s’est choisi. Son masque instille la peur dans le coeur de ses ennemis, mais aussi de ses troupes. Son ambition ne s’arrête pas là, il vise à instaurer une lignée et pour cela il enferme ses femmes dans un coffre. Les autres qu’il ne peut engrosser endosseront le rôle de mère laitière, condamnées à produire du lait sous trayeuse.
Vision qui met la femme loin – mais très loin – du pied d’égalité.
Derrière ce monde barré se cache bien sûr la vision incroyable du réalisateur Georges Miller.
Il reprend les rennes trente-cinq ans après « Mad Max 3 » pour délivrer un nouvel opus visuellement époustouflant. Georges Miller qu’il ne faut pas cantonner aux quatre Mad Max. On peut rappeler qu’il a aussi réalisé « Babe le cochon devenu chien de berger » ainsi que « Happy Feet » ! Réalisateur de film pour enfants et de la sauvagerie madmaxienne, c’est incroyable, voire schizophrénique, non ? Laissons parler l’intéressé dans cet extrait d’une interview accordée à Première :
« Schizophrénique ? Mais c’est notre nature à tous, non ? D’un côté laisser s’exprimer sa rage et ses pulsions, de l’autre s’efforcer de les maîtriser. C’est une lutte morale vieille comme le monde. On y est confronté dans les moments les plus intimes de la vie. Et c’est ce qui crée la peur qui pousse tant d’entre nous vers les croyances religieuses. »
Merci de cette précision, Georges.
Mais revenons à notre vilain ! Celui de Pamela Target.
S’inspirer de ce personnage d’Immortan Joe pour créer un roi fou, avide de pouvoir prenait tout son sens pour nous dans la deuxième saison de notre série audio. D’autant plus que ce roi ne sort pas de nulle part, il s’agit d’un personnage que vous avez déjà découvert dans la première saison. Qui ? Venez donc écouter « Quelle Belle journée à la Mad Max ! » le premier épisode de la nouvelle saison de Pamela Target pour le savoir.
A bientôt pour un nouvel article,
La PT-Team.